En un espacio en penumbra, con cierta sensación distópica, Karlos Gil presenta en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) una amplia muestra de sus obras audiovisuales bajo el título conjunto Declive. El espacio es por momentos un reflejo del clasicismo de los museos arqueológicos, pasando más tarde a un viaje por el inframundo urbano en Origin, filme producido ex profeso para esta exposición. La variedad de materiales, tecnologías y técnicas permite evaluar la complejidad de una propuesta atemporal y plena de referencias más o menos veladas. Declive ha sido comisariada por Peio Aguirre.

Karlos Gil: Declive. Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Hasta el 21 de mayo de 2023.

El Museo Centro de Arte Dos de Mayo inauguró el pasado sábado 18 de febrero la exposición de Esther Gatón Emil Lime. La instalación presenta una nave colgada del techo/cielo que se balancea regresando siempre al mismo punto de origen. Un movimiento que, como el título de la exposición, es un palíndromo: hacia adelante o hacia atrás, el itinerario será idéntico. Es solo cuestión de tiempo que se establezcan los ciclos. Desde cualquier ángulo que observemos la nave, la visión que se nos presenta es fragmentaria, con claras referencias al paso del tiempo y a la despersonalización de los materiales. El proyecto expositivo Emil Lime ha sido comisariado por John Scozzari.

Esther Gatón: Emil Lime. Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Hasta el 21 de mayo de 2023.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Jean Dubuffet: ferviente celebración, una exposición patrocinada por BBK, que examina las décadas decisivas de la carrera de Dubuffet, desde sus primeros momentos de creación artística en los años cuarenta hasta las últimas series que completa en 1984. La muestra se compone fundamentalmente de los extensos fondos del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, complementados por una selección de obras procedentes de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia.

Rechazando los principios de decoro y belleza clásica, así como cualquier pretensión de pericia técnica, Dubuffet se centra en lo ordinario y lo inesperado, empleando en su obra materiales vulgares, temas prosaicos y un estilo que rehúsa todo signo externo de formación académica. Con esta visión, Dubuffet se enfrenta a las normas, que, en su opinión, dificultan la expresión auténtica y menosprecian la experiencia cotidiana. Sin embargo, su objetivo no solo es revelar lo anticuadas que están las convenciones culturales, sino también ilustrar la vitalidad de una existencia libre de ellas.

Jean Dubuffet (1901-1985) acuñó a mediados del siglo XX el término art brut para definir una práctica artística y creativa espontánea e inmediata. El art brut sería por tanto una reacción al arte altamente elaborado y pleno de culturalismos. En las obras de Dubuffet pesa más la introspección que el conocimiento adquirido, y cuenta más el impulso creativo que el bagaje cultural.

Jean Dubuffet: ferviente celebración. Museo Guggenheim Bilbao. Del 25 de febrero al 21 de agosto de 2022. Comisariado: David Max Horowitz, Assistant Curator, Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Patrocina: BBK.

[imagen de cabecera: El malentendido (La Mésentente), 1978. Acrílico sobre papel, montado sobre lienzo. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Por intercambio 86.3405. © Jean Dubuffet, VEGAP, Bilbao, 2022]

El Museo Reina Sofía presenta El tiempo es mudo, una muestra retrospectiva de Mario Merz. La exposición, organizada en colaboración con la Fondazione Merz, ofrece un recorrido por las distintas vertientes del trabajo del artista a través de una selección de más de medio centenar de piezas que atraviesan toda su trayectoria: desde sus primeras obras abstractas de los años 50, hasta las últimas de los 90. Las obras proceden de instituciones como la Tate Modern de Londres, el Centro Pompidou de París y el Kuntsmuseum Wolsburg, y también de numerosas colecciones particulares

Mario Merz (Milán, 1925-2003) es una figura clave para entender las derivas experimentadas por el arte europeo en la segunda mitad del siglo XX. Es una figura esencial del arte povera, una corriente surgida en los años 60 en oposición al minimal y a la sofisticación, la intelectualización, la abstracción y la estética industrial y tecnológica del arte estadounidense de la época.

Para sus pinturas, esculturas e instalaciones, Merz utiliza materiales y objetos reciclados, tanto de origen orgánico (arena, barro, cera, ramas o carbón), como provenientes de la industria (baldosas, cristales, neones, alambres o periódicos). En cuanto a la estructura, utiliza de forma recurrente la sucesión de Fibonacci, una fórmula matemática que describe un modelo de crecimiento infinito.

El tiempo es mudo se ordena sobre dos ejes. Por un lado, la idea de alienación causada por la deriva consumista de la sociedad y la necesidad de volver a conectar con experiencias humanas esenciales. Por otro lado, la exposición pretende contextualizar el trabajo de Merz dentro de su periodo histórico.

• El tiempo es mudo, hasta el 29 de marzo de 2020.
• Comisariado: Manuel Borja-Villel y Beatrice Merz.
• Palacio de Velázquez, Parque de El Retiro, Madrid.
• Entrada gratuita. Abierto todos los días de 10:00 a 18:00 horas.

David Downton nació en Kent, Inglaterra, en 1959. Lleva más de cuarenta temporadas en activo, ilustrando la alta costura de París. Ha editado revistas y libros, el último en 2015 con el título Portraits of the World’s Most Stylish Women. Es doctor honorario del London College of Fashion, la Academy of Art de la Universidad de San Francisco y la Universidad de Wolverhampton. En la inauguración de #FinaEstampa, el pasado 14 de enero, tuvimos ocasión de hablar con Downton que se mostró satisfecho con la exposición organizada por el Museo ABC y comisariada por Jesús Cano. También nos comentó que el espacio expositivo y la distribución de las obras le habían parecido idóneas para establecer aún con más fuerza el carácter artístico del dibujo y la ilustración de moda.

En la nota biográfica del catálogo de la exposición #FinaEstampa, se dice que de David Downton que «un día a la semana, lo encontrarán en el Hotel Claridge de Londres –es artista en residencia– retratando a ilustres huéspedes o buscando inspiración para seguir atrapando el glamur, sin nostalgia».

La ilustración que abre esta entrada corresponde a la colección otoño-invierno 2000 de Gaultier París. El dibujo original, que se ha editado posteriormente mediante técnicas digitales, lo realizó Downton con pastel al óleo, tinta y guache sobre papel con una capa de acetato.

David Downton. The Drawing Room.

#FinaEstampa. Museo ABC. Madrid. Hasta el 19 de mayo de 2019.

ARCOmadrid 2019 reunirá un total de doscientas tres galerías de treinta países entre el programa general y las secciones comisariada Perú en ARCO, Diálogos y Opening. La organización incide en que cerca del cuarenta por ciento de las galerías participan con programas enfocados a la presentación de uno o dos artistas de distintos entornos. El objetivo es consolidar ARCOmadrid como espacio para el conocimiento de la obra de artistas de distintas generaciones.

Además de la sección monográfica dedicada a Perú, es significativa la presencia de Latinoamérica, en particular, e internacional, en general, que confiere a ARCOmadrid la calidad de punto de encuentro e intercambio entre galerías, artistas y coleccionistas de Europa y Latinoamérica.

La sección Diálogos contará con trece galerías seleccionadas por Agustín Pérez Rubio y Catalina Lozano, y obra de artistas como Magdalena Jitrik, Naama Tsabar, Carlos Motta y Vivian Suter. Por su parte, la sección Opening, dedicada a proyectos galerísticos con una trayectoria de siete años como máximo, presenta veintiuna galerías seleccionadas por los comisarios Ilaria Gianni y Tiago de Abreu Pinto.

ARCOmadrid también presenta veinte piezas de gran formato adscritas al programa de proyectos especiales. Las obras son de, entre otros artistas, Waqas Kahn; Sandra Gamarra, Jaume Plensa, Pepe Espaliú y Heini Aho.

ARCOmadrid 2019, organizada por IFEMA, se celebrará del 27 febrero al 3 de marzo en los pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid, en horario de 12.00 a 20.00. Más información en la página de IFEMA.

Más de ciento cincuenta obras originales de veintidós artistas que trabajan con la ilustración y la pasarela forman la exposición Fina Estampa, que podrá verse a partir del día 15 de enero, en el Museo ABC. Los artistas elegidos, más de la mitad mujeres, son nacionales e internacionales, emergentes y establecidos. La ilustración de moda vive un auge sin precedentes, en el que dibujos de artistas de todas partes inundan las páginas de revistas y cabeceras. La ilustración que abre esta entrada es de Rosie McGuinness.

Fina Estampa. Del 15 de enero al 19 de mayo en el Museo ABC, calle Amaniel 29-31, Madrid. La exposición ha sido comisariada por el periodista y diseñador Jesús Cano, y forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival 19 y cuenta con la colaboración de NH Collection Hotels.

El martes 13 de febrero, asistimos a la visita guiada a la exposición Cuestiones personales, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). Las visitas guiadas forman parte del programa de actividades de la Real Asociación Amigos Museo Reina Sofía. Cuestiones personales es la segunda muestra consecutiva de la colección que la galerista Soledad Lorenzo ha depositado en el MNCARS por un periodo de cinco años, con la previsión de legar en un futuro las 392 obras al museo. La muestra se inauguró a finales de diciembre y podrá visitarse hasta el 5 de marzo de 2018.

Cuestiones personales se centra en la recuperación, desde una óptica moderna, de la figuración. La primera sala, con obras de La Ribot, Another pa amb tomàquet, 2002, y Catherine Opie, Richard, 1994, y Robert Blanchon, 1996, presenta el cuerpo humano como elemento de consumo. En la segunda sala, obras de Alfonso Fraile, De impresión, 1987, y Luis Gordillo, Señor bailando en lugares sólidos, 1971, y Beethoven tosía al verde, 1989. Fraile fue el artista con el que Soledad Lorenzo inauguró su galería en 1986 y, junto con Gordillo, son el eje del retorno a la figuración.

La siguiente sala es desde luego transgresora, con obras de Jorge Galindo, Manuel Ocampo y Juan Ugalde; transgresora o, como la definió Manuel Borja-Villel, director del MNCARS, en la rueda de prensa que dio el día de la inauguración, es la sala de los gamberros. En el siguiente espacio, la sala de los americanos, hay una serie de dibujos de George Condo realizados en la propia galería de Soledad Lorenzo, un carboncillo sobre papel de Robert Longo, Untitled (Bikini Atoll/Baker, 1946), 2003, y varias obras de Tony Oursler, como Untitled (Head with Tools), 2009, una proyección de vídeo sobre fibra de vidrio, acquaresina y herramientas. La propuesta, extensiva a toda la exposición, pasa por el establecimiento de conexiones entre artistas españoles y estadounidenses.

En las salas siguientes, encontramos obras de José María Sicilia, Sin título (Tulipán negro), 1985, pintado durante su estancia en Nueva York, Miquel Barceló, L’Artiste animalier, 1993, donde el artista aprovecha los relieves del lienzo para pintar como hicieron los prehistóricos en las cuevas, aprovechando los resaltes y las irregularidades de las paredes, y Julian Schnabel, Sin título (La banana è buona), 1988. Completan el recorrido otros artistas como José Manuel Broto, Victoria Civera, Georgina Starr o David Salle.

El 20 de febrero, en la Sala de Arte de la Fundación Banco Santander, se presentará una selección de obras del coleccionista brasileño Luís Paulo Montenegro, agrupadas bajo en título común Visiones de la tierra / El mundo planeado. La exposición podrá visitarse hasta el 10 de junio. El comisario de la muestra, Rodrigo Moura, ha seleccionado las doscientas dieciocho piezas que podrán verse en Madrid por primera vez en la mayoría de los casos. La disciplina artística con especial dedicación es la pintura, y la época con mayor nómina de artistas, los años 40 a 60 del siglo XX. Además de otros nombres importantes del arte, están representados en la muestra Alfredo Volpi, Lygia Clark, Wifredo Lam, Hélio Oiticica, Cildo Meireles, Alexander Calder, Andy Warhol y Willem de Kooning.

Luís Paulo Montenegro comenzó su colección en 1999, cuando compró en una subasta la primera obra, La Índia Carajá de Cândido Portinari. cuenta con una de las colecciones más importantes de arte moderno y contemporáneo de Brasil.

El lunes 26 de febrero, visitaremos la exposición con la Asociación de Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que habitualmente organiza visitas a la sala de la Fundación Banco Santander.